Matando Momentos: Fotógrafos conceptuales

DANIELA EDBURG

Se trata de una fotógrafa mexicana nacida en Texas en 1975, que hace fotografías kitsch (saturación de colores y formas) sobre bellas de mujeres asesinadas o que van a ser asesinadas por mercancías de consumo.

Es licenciada en Artes Visuales en la ENAP, UNAM dentro del PAEA de la Academia de San Carlos. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas y ferias de arte en México y en el extranjero.

Entr sus exposiciones individuales destacan “Bittersweet” Kunsthaus (Miami), “Here by accident” Aldaba Arte (México DF), “Drop Dead Gorgeous” Kunsthaus Santa Fé (San Miguel de Allende), “Nimbus” Galería Arte Joven (México DF), “Eat me” Kunsthaus (Miami), “As seen on TV” La Panadería (México DF), “Let’s play house” Centro Cultural El nigromante, (San Miguel de Allende).

Ella afirma que la obra de ninguna manera es una crítica, pero la lectura marxista más rudimentaria le diría que esas señoras bonitas están encarceladas por su propia obsesión por estos productos capitalistas (Miss Clairol, Panditas, Canderel, Slim Fast, etc)

“Si estas chicas no están muertas, están virtualmente muertas por su dependencia total a dichos artículos”.

“Ellas están demasiado felices y entusiastas para que el discurso sea meramente crítico”.

Sin embargo, hay algo excesivamente simpático y cariñoso hacia sus objetos/amigas, como si estuvieran diciendo, "Sí, somos materialistas y americanizadas… ¿y qué? Nos gusta."

GREGORY CREWDSON

Gregory Crewdson es un fotógrafo estadounidense, conocido por sus elaborado escenarios, escenas surrealistas de hogares y barrios.

Nace el 26 de septiembre de 1962 en Brooklyn. Su padre era psiquiatra, y él escuchaba a los clientes (esto afectó su trabajo más tarde). Cuando era adolescente era parte de un grupo de punk rock llamado The Speedies. Su canción "Let Me Take Your Foto", resultó ser profética de lo que Crewdson se convertiría más tarde en la vida. En 2005, Hewlett Packard utiliza la canción en la publicidad para promover sus cámaras digitales.

A mediados de 1980 Crewdson estudia fotografía en SUNY Purchase. Recibió su Maestría en Bellas Artes por la Universidad de Yale. Ha sido profesor en el Sarah Lawrence, Cooper Union, Vassar College y la Universidad de Yale, donde ha estado en la facultad desde 1993.

Crewdson está representada en Nueva York en la Galería Luhring Agustín y en Londres por el Galler White Cube.

Por lo general, sus fotos ocurren en pequeñas ciudades de Estados Unidos, pero son dramáticas y cinematográficas. Tratan de acontecimientos a menudo inquietantes, surrealistas. Utiliza un gran equipo y son minuciosamente organizadas y alumbradas.

AMY STEIN

Amy Stein es una fotógrafa norteamericana, nacida en 1970 en Washington y que ahora vive en Nueva York y enseña en School of Visual Arts y en Parsons The New School for Design. En 2007 fue nominada como una de las 15 fotógrafos emergentes de este año por la respetada revista American Photo.

Esta fotógrafa cuenta ya con varios premios importantes y ha sido publicada en diferentes periódicos y revistas de la talla del New York Times o en Vanity Fair Italia.

Amy Stein nos muestra su atractiva propuesta fotográfica, la que si bien es reconocida como multidisciplinaria en el ámbito editorial de los Estados Unidos. Su trabaja explora nuestro creciente aislamiento de la comunicdad, la cultura y el mundo en general.

Dedica gran parte de su tiempo en construir críticas relacionadas con el mundo animal y cómo nosotros convivimos con otras especies a través de nuestras vidas, especialmente dentro de la cultura norteamericana y su característico espíritu destructivo en las zonas más periféricas.

Amy Stein tiene un interesante portafolio de fotografía conceptual. En su serie “Domesticated” (que le valió un Saatchi Gallary / Guardian Prize), podemos ver cómo la vida humana interfiere en la de los animales; en “Stranded” podemos ver viajes a ningún lugar, tanto en el plano espacial como en el psicológico; en “Halloween in Harlem”, la yuxtaposición del disfraz y el entorno suburbial, etc.

En su serie “Women and Guns”, Amy Stein muestra la relación entre las mujeres y las armas. Profundiza sobre cómo se adueñan de ellas, ocupando un territorio supuestamente masculino y brutal. Su blog también es rico en información que va desde su vida personal hasta los equipos que utiliza. Por la fuerza y calidad de sus imágenes, Stein es la nueva y joven promesa de la fotografía mundial.

También ganó el Critical Mass Book Award y Best Book Award en el New York Photo Festival 2008; ha expuesto internacionalmente y sus imágenes forman parte de importantes colecciones tales como el Philadelphia Museum of Art, New York, además de haber dado talleres y conferencias en prestigiosas academias y universidades alrededor del mundo.

“Mis fotografías exploran nuestra paradójica relación con lo ’salvaje’ y cómo nuestros impulsos contradictorios siguen desarrollando y alterando el comportamiento tanto de los seres humanos como de los animales. Buscamos la conexión con el misterio y la libertad de la naturaleza y, sin embargo, nos esforzamos por domesticar el mundo salvaje que nos rodea y controlar en forma compulsiva lo que hay de salvaje en nuestra propia naturaleza. En mi trabajo examino las cuestiones fundamentales del confort y el miedo, la dependencia y la determinación, la sumisión y la dominación que intervienen en los ecotones psicológicos y físicos entre el ser humano y la naturaleza.”

HELLEN VAN MEENE

Es una artista que retrata adolescentes y jóvenes, sobre todos chicas.

Nace en Holanda, en 1972. De 1992 a 1996 estudia fotografía en la Gerrit Rietveld Academie, en Amsterdam, y en 1995 estudia en el College of Art, en Edimburgo.

Tiene un excelente maneja de la luz natural, mostrándonos texturas vivas. Es una retratista conceptual que alista a sus modelos. Generalmente sus retratos hablan sobre el suicidio o la depresión en adolescentes y jóvenes. Utiliza Rolex Flex y Hassell Bland.

Existen tensiones subyacentes en los retratos - entre la vulnerabilidad y la compostura, la torpeza y la gracia, la intimidad y el desapego, la naturalidad y el artificio. La escena de cada imagen está muy cuidada por la artista: ella elige la ubicación y la ropa, el maquillaje y la puesta en escena. Estos escenarios contrastan poderosamente con el realismo con el que las chicas aparecen en la fotografía. Siempre utiliza luz natural, no intenta disimular las imperfecciones físicas de las chicas.

En sus retratos hay un estado de individualidad psicológica y física. Los ojos de sus modelos a menudo están apartados del terreno de la cámara, que parece absorto en sí mismo. A pesar de que se trata de retratos claramente contemporáneos, muchos de ellos también evocan histórico arquetipos femeninos.

Es la ganadora del prestigioso Premio Charlotte K. en 1999.

ARTHUR TRESS

Nace en 1940, en Nueva York. Toma su primer fotografía en la primaria, en 1952. Estudió historia del arte, arte, cultura del mundo y filosofía, en el Bard College. Mientras estudiaba, siguió fotografiando y comenzó a hacer cortometrajes. Se gradúa en 1962.

Más tarde se fue a vivir a París para estudiar cine, pero pronto lo dejó. Después de viajar por Europa, Egipto, Japón, India y México, se asentó en Suiza, donde trabajó como fotógrafo en el Museo Etnogáfico de Estocolmo.

En 1968 regresa a Nueva York, quieriéndose convertir en un fotógrafo profesional.

Proyecto por proyecto cambia mucho su trabajo. Por ejemplo, en su proyecto “Fish Tank Sonata” (1987-1990), retrata sus viajes a través de una pecera. Como podemos ver, viaja bastante.

También se enfoca en el desnudo.

LEANDRO BERRA

Nace en Argentina, en 1956. Reside y trabaja en París desde 1981.

Tiene propuestas muy distintas e interesantes, como su proyecto “Retratos – Robot”. Se trata de una serie de autorretratos realizados con la ayuda de un programa informático que utilizan muchas policías del mundo para realizar sus retratos robot. Leandro Berra propone al modelo que componga su propio retrato con ayuda de la computadora. Debe hacerlo de memoria, sin foto o espejo que pueda guiarle. Una vez acabado ese auto-retrato es confrontado con una foto. Es entonces cuando se ven las más o menos sutiles diferencias entre la imagen que se tiene de sí mismo y la realidad.

JEFF WALL

Jeff Wall fotógrafo canadiense nacido en el año 1946. Estudió en la Universidad British Columbia en 1970. En 1973 termina su posgrado en Courtland Institute sobre historia social del arte, y de 1979 a 1995 fue profesor asistente del Nova Scotia College of Art & Design. En 1996 es maestro de fotografía en la Dusselaford Academy. Actualmente reside y trabaja en la ciudad de Vancouver.

Sus fotografías son cuidadosamente planificadas como una escena en una película, con pleno control de todos los detalles. Sus composiciones se encuentran siempre bien pensadas, o inspiradas a partir de clásicos pintores como Edouard Manet.

Muchas de sus imágenes son grandes (normalmente 2X2 metros) transparencias colocadas en cajas de luz. Él afirma que esta idea le vino durante un viaje en autobús entre España y Londres, tras ver un gran anuncio publicitario montado sobre una caja de luz en una parada de autobús. Los temas tratados en sus fotografías son sociales y políticos, tales como la violencia urbana, racismo, pobreza, así como conflictos de género y de clase.

En 2002 es galardonado con el premio Hasselbald.

RALPH EUGENE MEATYARD

Nace en Illionois en 1925. Estudió pre-odontología en el Williams College (1943-44) y filosofía en la Universidad Wesleyan de Illinois (1950.) Después de la Segunda Guerra Mundial se muda a Kentucky y abre una óptica, donde vendía equipos y suministros fotográficos; más tarde nace su hijo y comenzó a fotografiarlo. Poco a poco va perfeccionando su técnica, fotografiando a familiares en lugares abandonados generalmente.

El trabajo Meatyard desafió la mayoría de las convenciones culturales y estéticas de su tiempo. Su obra surgió de la belleza de las ideas más que las ideas de la belleza. Ralph amaba la literatura (en especial la poesía) y la filosofía (especialmente Zen) y esto según él le ayudó a estimular su imaginación. Mientras que otros fotógrafos recorrían las calles en busca de la América profunda y la verdad, Meatyard estaba obsesionado con el mundo de la experiencia interior, y continuamente planteaba preguntas nunca resueltas sobre nuestra realidad emocional a través de sus fotografías. Él se volvió a mirar reflexivamente en los sueños y los terrores de las cuestiones metafísicas, y ésto lo demostraba con sus inquietantes fotografías.

“Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras –pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador –pero en realidad, soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.”

“Para mí las fotografías no son repetitivas, son insistentes”

Muere en 1972.