Matando Momentos

JOEL PETER WILLKIN

Es considerado uno de los fotógrafos más reconocidos (y rechazados) del mundo. Busca la rara belleza de lo horrible.

Nace en Nueva York en 1939, en una familia profundamente religiosa. Compró su primera cámara a mediados de la década de los 50’s y aprendió los fundamentos del uso de la cámara. En sus primeras fotografías representaba muchas experiencias inquietantes de su infancia.

Entre 1961 y 1964 fotografió la guerra de Vietnam. Sus misiones incluyeron a la grabación en la película los cuerpos de los soldados que se había suicidado o habían muerto en accidentes de formación.

Es Licenciado en Bellas Artes en 1974.

Él afirma que su visión y sensibilidad fueron iniciados por un episodio que presenció cuando era sólo un niño pequeño, un accidente de tráfico que se produjo frente a su casa en la que fue decapitado un joven.

Dice tambiém que las dificultades en su familia fueron una influencia para su obra. Su artista favorito es Giotto, pero las influencias artísticas más evidente en su obra son el surrealismo. Sus técnicas fotográficas se basan en principios de daguerrotipos y en el trabajo de EJ Bellocq.

Emplea un enfoque muy intuitivo para el proceso físico de hacer la fotografía, como rascarse el negativo, el blanqueado o tonificar la impresión, y una mano real-en la técnica de impresión, los productos químicos.

No es un cazador de momentos. Utiliza la técnica de la diégesis (foto armada). Dedica horas y horas a componer y ambientar las escenas con toda la historia del arte muy meditada. “me considero retratista, pero no de gente, sino de la condición del ser.”

Monta luces que provocan grandes contrastes, de modo que sus desnudos queden modelados en grises pegajosos y profundos.

Ensalza el cuerpo obsceno, bien pervertido por su propia deformación (mutilados, hermafroditas, enanos…) o corrompido por la muerte (cadáveres, miembros amputados) y lo instala en una ambientación fantástica. Convierte al monstruo en un ícono de belleza, contra todos los prejuicios hacia la sexualidad.

No se ajusta a los cánones de belleza que marca la TV, ni a los modelos sociales que sólo apuntan a la estilización, al triunfo y al éxito, donde lo feo o lo muerto se queda de lado.

La literatura y el cine acostumbra sacar monstruos; no así la foto, que evoluciona buscando nuevos sujetos. “Lo que hace que una imagen sea poderosa es que a diferencia de otros medios como el video o el cine, aquí se trata de la inquietud.”

“Cuando realmente quieres decirle algo a alguien, lo tomas; es lo que hace la imagen fija.”

MICHIKO KON

Importante fotógrafa de Arte Conceptual. Su arte es sumamente reflexivo. Nace en Japón en 1955.

Estudia arte y luego se inclina a la fotografía. Cuando era niña, vivía cerca del mercado de pescados, marcada influencia para su trabajo.

Arma esculturas para ser fotografiada, pero sólo para eso. Una vez fotografiadas, las destruye.

Utiliza cámaras de formato grande, y siempre trabaja sobre un fondo negro y base negra transparente, misma que le permite generar el reflejo máximo apreciado en sus obras. Trabaja la doble fusión y genera mucha tensión.

DUANE MICHALS

Es considerado el artista más importante de Estados Unidos.

Nace en Pensilvania en 1932, de padres de escasos recursos (un obrero y una sirvienta). Más tarde recibe una beca para estudiar artes: va a Denver y decide estudiar en Parson School of Design.

Decide viajar a Rusia, y es ahí donde aprende a usar la cámara. Regresando a Estados Unidos deja el diseño gráfico para utilizar su cámara y hacer arte con ella.

Sin estudios fotográficos formales irrumpe en una era dominada por el fotoperiodismo documental. En la década de los años sesenta utilizó el medio para contar historias. Las secuencias toman prestado la técnica cinemática de los fotogramas, comunicando ideas a través de paneles, detallando progresión temporal o alterando constantemente percepciones de los objetos cotidianos.

Realiza su primer exposición en 1959. Trabaja la doble exposición y construye las escenas donde aparece uso de la luz natural. Utilizaba a sus amigos como modelos para sus fotosecuencias.

“Algunas palabras tienen que ser dichas”, afirma

Algunos nombres sus fotosecuencias son:

- “Alguien te dejó un mensaje”

- “Una historia sobre otra historia”

- “Una carta sobre mi padre”

- “Posibilidad de encontrarte”

- “Recuerdo la discusión”

- “Momentos años de una tragedia”

- “Persona a persona”

“Los textos nunca son explicativos sobre lo que nos cuentan las imágenes. El texto o título te manda a dar una continuidad de la secuencia.”, comenta sobre sus títulos.

Su obra ha sido expuesta extensivamente en el mundo desde 1963 en instituciones tan diversas como el Art Institute de Boston, MA; la George Eastman House, en Rochester, Nueva York; el International Center of Photography, en Nueva York, NY; el Museo de Arte Moderno de San Francisco; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY; Musée de l'Elysée, Lausanne, Suiza, entre otros.

SUGIMOTO

Uno de los fotógrafos más reconocidos de su generación. Ganador del premio Hasselblad en el 2001, sus fotografías en blanco y negro combinan el riguroso tratamiento conceptual con una dominio de la técnica fotográfica.

Nace en 1948 en Tokyo, y en 1972 se traslada a estudiar fotografía a Los Ángeles en el Art Center College of Design. Su vida profesional transcurre entre Nueva York y Tokyo.

Entre sus principales influencias artísticas se encuentran el Surrealismo, el Dadaísmo y en especial una conexión con la obra y la filosofía de Marcel Duchamp. Su obra gira en torno a la relación entre la historia y la existencia temporal.

Usa la fotografía como máquina del tiempo, preservando y plasmando la memoria. Para él, la verdad se encuentra en el orden plegado de las cosas en un magma uniforme donde se incuba todo.

Extremadamente sensible a la escultura, la pintura, la arquitectura y la filosofía. Encuentra en la cámara un vehículo para captar al “sujeto” en su esencia, con independencia de su origen.

El resultado compositivo se caracteriza por el equilibrio y la simetría, lo que produce una sensación de delicadeza y fragilidad. Estudia cuidadosamente los efectos de la luz para plasmar en el instante preciso la emoción concreta.

No sería artista del futuro si no recuperara el sentido de lo inefable (e irreal), verdad que nos rodea.” Cierto: todo se engendra en un magma ignoto; el tiempo es probablemente una ilusión nuestra. Pero el hombre puede renunciar por ellos a su aventura”, afirma.

RICHARD AVEDON

Nace en Nueva York en 1923. Trabajó un tiempo en la Marina Mercano de Estados Unidos. Realizó estudios de filosofía en la Universidad de Columbia, NY, antes dedicarse a la fotografía.

En 1944 conoció a Alexey Brodo-vitch, director artístico de Harper's Bazaar, con el cual trabajó muchos años. En 1959 la aparición de su libro "Observaciones", obra que retratos de personalidades y algunas fotos de moda.

Sus retratos sobre fondo blanco hacen subir a la superficie la intimidad de los seres humanos a los que retrata. Registra la esencia de la persona (generalmente las manos indicaban qué hacía la persona).

Sus fotografías de moda, en las cuales transcribía su visión personal de un mundo de imágenes vitales, muy próximos a la vida, le valió una extensa publicidad. Rompía con la fotografía de estudio, llevando a sus modelos hacia las calles

HELMUT NEWTON

Famoso por reproducir los 80’s y los 90’s con todo lo referente a la cultura y lo que sucede en esa época. Revoluciona el mundo de la moda.

Nace en 1920 en Berlín. Su padre era un acomodado fabricante de botones. Su padre, a quien no agradaba la idea de que su hijo quisiera hacerse fotógrafo, lo envió al colegio norteamericano de Berlín, pero Helmut fue un alumno vago e incorregible, así que modo que pronto dejó el colegio.

En 1936 fue alumno de la fotógrafa Yva (Elsa Simon), quién más tarde moriría en el campo de concentración de Auschwitz. Después de dos años de aprendizaje con Yva, Helmut Newton abandonó Berlín el 5 de diciembre de 1938, y se dirigió a Singapur, donde encontró trabajo como reportero gráfico en el Singapore Straits times. Dos meses más tarde, el redactor jefe del periódico le despidió por inútil.

A partir de mayo de 1961, Newton trabajó intensamente con regularidad para la edición francesa de Vogue, la revista de moda que a lo largo de 25 años publicaría sus mejores fotos del género y lo convertiría en el genio de la fotografía del siglo XX.

Es un surrealista contador de historias, que trajo el aura del Berlín de los años 20 a nuestro tiempo. Su trabajo de moda y comercial a menudo ha suscitado reacciones extremas y controvertidas, desde la máxima admiración a la condena más completa.

Moda, desnudos, retratos: éstas son las tres categorías en las que Helmut Newton divide su trabajo. Aunque las cosas en realidad no son tan simples, porque un disparo de moda puede convertirse luego en un retrato o un desnudo y viceversa.

Representa mujeres que aman y desean ser amadas, que gozan con sus cuerpos, que no tienen reparos en enseñarlos ni mucho menos lo consideran un simple objeto, si no todo un culto.

Predominan en su obra las fotografías en blanco y negro, poco de color, y los grandes contrastes de luces, que dan un aire retro e increíblemente atractivo a las imágenes.

Bibliografía:

http://dessineephoto.blogspot.com/2011/01/joel-peter-witkin-biografia.html

http://www.maxestrella.com/artistas/michals/bio.html

http://galerias.artelista.com/principal-art/artistas/sugimoto-biografia.html

http://www.cristinaarce.com/biografia_fotografo_avedon_richard.html

http://www.ciao.es/Helmut_Newton_Work_Helmut_Newton__Opinion_832128

Dependiendo de lo que se quiera lograr, tenemos 4 tipos de objetivos para escoger:

- -Ojo de pez (fish eye)

- -Gran angular

- - Objetivo normal

- -Teleobjetivo

Los rangos de distancias focales (número expresado en milímetros que nos indica los grados que la lente de una cámara es capaz de abarcar) según cada lente son los siguientes:

- 5 a 17 mm para ojo de pez

- 18 y 35 mm para grandes angulares

- 36 y 55 mm para objetivos normales

- A partir de 80 mm para teleobjetivos

OJO DE PEZ

El ojo de pez se utiliza principalmente para objetivos con un ángulo visual externo de 180 grados o más. Por su gran distorsión transforman la escena en una imagen circular, parecida a la producida al mirar a través de la mirilla de una puerta. Algunos de estos objetivos distorsionan la perspectiva de las líneas de una imagen, haciendo que se curven hacia fuera

Algunos de estos objetivos proporcionan una imagen rectangular que cubre el negativo, mientras que otros sólo proyectan un círculo central en el centro de la película (realizando una cobertura completa de 180 grados, como ya se dijo)

GRAN ANGULAR

Si lo que queremos es fotografiar un área muy extensa de un paisaje o cualquier plano de grandes extensiones a una distancia limitada, el gran angular es el ideal. Captura objetivos con un ángulo de visión inferior al ojo de pez, pero superior a los normales. Da una fuerte distorsión en perspectiva.

Proporcionan un ángulo visual comprendido entre los 60 y 180 grados.

El gran angular es ideal para:

- -Reportajes (abarcar mucho en espacios reducidos)

- - Exagerar la perspectiva

- -Conseguir mayor profundidad de campo

- -En macrofotografía se utilizan invertidos para conseguir la máxima ampliación cuando se trabaja con fuelles de extensión.

OBJETIVOS NORMALES

Es el más parecido al ojo humano, ya que cubre un ángulo visual entre los 43 y 56 grados. Podríamos decir que es un término medio entre el gran angular y el teleobjetivo.

TELEOBJETIVOS

Por último tenemos a los teleobjetivos, que tienen como principal característica captar sujetos muy alejados. Su ángulo visual es menor de 31 grados (sacrificando ángulo de visión por acercamiento).