Reglas de composición básicas y cualidades del sujeto

   En cualquier fotografía siempre existe un elemento que atrae más intensamente nuestra atención y que constituye el centro de interés. Toda la composición gira en torno a ese centro de interés.

   Este elemento no necesariamente tiene que estar en el centro.

   A continuación veremos 2 reglas que ayudan en el momento de la composición:

-          -Rellenar el encuadre: la mayor parte de la fotografía debe estar ocupada por el sujeto o motivo, para que de ese modo sea el centro de interés.

-          -Regla de los tercios: si dividimos la escena en 2 líneas por debajo y 2 por arriba (teniendo 9 espacios iguales), en el momento de posicionar al sujeto en uno de los 4 puntos donde se unen los puntos se hace más llamativo.

   Hay que tener en cuenta también los siguientes puntos:

-          -Cuando en una escena hay 2 o más motivos con la misma fuerza que el principal, se da una competencia entre ellos y genera confusión.

-         -  La situación y el tratamiento que demos al centro de interés  es posiblemente lo más decisivo en la composición fotográfica.

-        -   Por lo general, lo más sencillo y efectivo para resaltar su importancia es situarlo en el fotograma conforme a la conocida regla de los tercios.

-          -Si una persona o animal se fotografía de perfil, se debe dejar siempre más espacio por delante de su cara que por detrás (regla de dirección).

       CUALIDADES DEL SUJETO    

   

RITMO

    

   Antes que nada, diferenciemos entre cadencia y ritmo. La cadencia se refiere a la repetición de elementos como puntos, líneas, formas o colores, lo que dotaría a la imagen de regularidad y simetría. Sin embargo, la regularidad y la simetría son opciones compositivas que restan de actividad y dinamismo a la imagen. En cambio, el ritmo se refiere a una conceptualización estructural de la imagen, en la que la idea de repetición es esencial.  La repetición de un motivo aumenta la armonía de una escena.

         En todo ritmo visual se dan dos componentes: por un lado, la periodicidad, lo que implica la repetición de elementos o grupos de elementos y, por otro, la estructuración, que podría entenderse como el modo de organización de esas estructuras repetidas en la composición.

         Las composiciones con ritmo excesivamente rígido conviene romperlas con algún pequeño objeto discordante que atenúe su rigidez y proporciones centro de interés.

TEXTURA

   La sensación de textura le otorga a la fotografía una capacidad comunicativa extra. A través de ella, el espectador tiene la sensación de reconocer las sensaciones táctiles que experimentaría al tocar una determinada superficie.

   Las texturas, junto con el tono y la forma transforman los motivos planos en imágenes con fuerte sensación tridimensional.

.Está íntimamente ligada con la luz; ésta resalta la textura de una determinada superficie. Los objetos iluminados con luz dura, intensa y rasante nos dan una textura que con cualquier otro método sería imposible lograr.

   La mejor hora para fotografiar texturas es de 12 a 3 pm, aproximadamente.

FORMA Y VOLUMEN

   Para reconocer a un objeto nos basta con su silueta o su perfil. Esto se conoce como sustracción. Recordemos que la cámara ve en un solo plano o en 2 dimensiones, por lo que si deseamos destacar la forma de un objeto tendremos que conseguir que llame fuertemente la atención.

   Para hacer buenas fotografías donde la forma resalte será necesario:

-          -Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles.

-          -Acercarnos al encuadrar (hacer tomas cerradas).

-         -  Fondo lo más uniforme posible y que no distraiga.

-          -Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.

-          -Utilizar al máximo las normas de composición, ritmo y equilibrio para destacar la forma.

 

LÍNEA

    Para centrar la atención del espectador, debemos tener líneas dominantes en nuestra fotografía. También se pueden utilizar para dar perspectiva. Una de las normas más populares de la composición se basa en la repetición de las líneas y objetos, especialmente cuando el tema es una estructura.

 Bibliografía:

http://akvis.com/es/articles/art-and-photography/interest.php 

http://www.analisisfotografia.uji.es/root/analisis/metod/9b.htm

http://www.gratiszona.com/fotografia_digital/hacer_buenas_fotos/luz_y_textura.htm

http://www.fotonostra.com/fotografia/laslineas.htm

Tipos de plano, barridos y congelados

   Cuando hablamos de primeros planos nos referimos a que hay un sujeto muy cerca de la cámara y está nítido; no así el fondo.

   El plano medio es cuando el sujeto está a una distancia más alejada que un primer plano pero no muy lejano, estando fuera de foco lo más próximo y lo más lejano.

   Cuando se aprecia todo el fondo nítidamente hablamos de una profundidad de campo.

   El barrido de fondo se da cuando el sujeto aparece en foco y el fondo detrás de él está borroso.

   Si lo que está borroso es el sujeto, entonces es un barrido de sujeto.

   Por último, el congelado es literalmente cuando se congela al sujeto en acción y todo es nítido. 

Tabla inteligente para lograr lo anterior:

¿?	f	Tv
1er plano	Elijo 1.8 – 4	Exposímetro en 0
Plano medio	Elijo 5.6 – 8	Exposímetro en 0
Prof. De campo	Elijo 11 – 22	Exposímetro en 0
Barrido de fondo	Exposímetro en 0	Elijo  1/30 – 1/15
Barrido deliberado	Exposímetro en 0	Elijo 1/30
Congelado	Exposímetro en 0	Elijo 1/500 – 1/2000

   Cuando estamos fotografiando en un día muy soleado, es recomendable utilizar 1/125 de velocidad de obturación y un diafragma en 16.

   En un día soleado se recomienda 1/60 de velocidad de obturación y el diafragma en 11.

   Si el día está nublado, con 1/60 de velocidad de obturación y el diafragma abierto en 8 bastará.

   Cuando está total o parcialmente oscuro y el sujeto poco iluminado, los valores recomendables son 1/60 y 5.6

Diafragma, abertura y obturador

 DIAFRAGMA

 

Como veíamos en La luz, materia prima de la fotografía, la luz juega un papel crucial en la fotografía. Si queremos que la fotografía reproduzca la escena claramente, debe recibir la cantidad adecuada de luz. Tenemos que evitar la sobreexposición y la subexposición. El diafragma controla la cantidad de luz que llega a la película. Puede ir delante, dentro o detrás del objetivo.

  

Está formado por un conjunto de laminillas que se solapan, determinando en su centro un orificio de diámetro variable que controla la cantidad de luz que pasa a través de él. Generalmente está situado cerca del anillo de enfoque.

   Cuando fotografiamos un objeto oscuro, se emplea una abertura grande, para que entre la mayor cantidad de luz posible; si el sujeto está muy iluminado, se reduce la abertura. De esta forma la película recibe en ambos casos la misma exposición.

   Las posiciones del diafragma se miden por números f (por feet), que suelen ser de la siguiente manera:

 1.4 - 1.8 - 2- 2.8 - 4 - 5.6 - 8 - 11 - 16

  Mientras más abierto esté el diafragma, más luz dejaremos entrar, y viceversa.

ABERTURA Y ZONA DE NITIDEZ

La mayoría de los objetos se enfocan con el mayor de los anillos de su montura, en el cual se encuentran marcadas  una escala de distancias. Algunas cámaras sencillas emplean una escala de símbolos con referencia a primeros planos, distancias medias y tomas generales.

 

En ocasiones (según el modelo de la cámara) puede darse el error de paralaje, que es la discrepancia entre la imagen de un motivo observada por el visor y la registrada en la película cuando el visor es independiente del objetivo y está separado de él, por lo que se observa al motivo desde un punto de vista ligeramente diferente.

Mientras más se abre el diafragma, hay más oportunidad de tener una profundidad de campo; cuanto más cerca está la cámara del sujeto, menor es la profundidad de campo.

La abertura ideal para primeros planos es de 4 o menos.

La abertura ideal para un plano medio es de 5.6 a 8

La abertura ideal para profundidad de campo es de 11 o más (como ya decíamos, a más abertura, más profundidad)  

OBTURADOR

 

   Si lo que deseamos es detener el movimiento o bien, dejar que la imagen aparezca borrosa, debemos conocer el funcionamiento del obturador. Éste controla el momento en que la película se expone a la luz, así como el tiempo durante el que se expone y, por ende,  la cantidad de luz admitida. Está formado  por un juego de laminillas o una cortina que se abren y cierran según la velocidad escogida.

   Existen dos tipos de obturadores:

-          - Obturador central o de laminillas: va montado en el interior del cuerpo del objetivo, cerca del diafragma y está constituido por una serie de finas laminillas metálicas que se abren cuando accionamos el disparador y se vuelven a cerrar cuando ha pasado el tiempo previsto. Se instalan en las cámaras de visor directo, y se controla por medio de un anillo situado alrededor del objetivo.

-          - Obturador de plano focal: está también en el cuerpo de la cámara, un poco por delante del plano focal, y es un sistema de cortinillas de tela o metal que se desplazan ante la imagen horizontal o verticalmente dejando entre las dos una rendija cuya anchura y velocidad determinan el tiempo de exposición.

   Al igual que el diafragma, al momento de seleccionar el mando del obturador se puede escoger entre varios números, que en este caso son números Av o Tv y son tiempos de exposición. La escala de velocidades de obturación es la siguiente:

B, 1  1/2  1/4  1/8  1/15  1/30  1/60  1/125  1/250  1/500  1/1000  1/2000

Siendo la “B” el bulbo, que no es otra cosa que controlar el obturador manualmente. Los demás valores son en relación a un segundo (un segundo, un medio de segundo, etc.)

Para lograr un barrido necesitamos una velocidad de 1/15 o 1/30

Para un congelado lo ideal es 1/500, si no es que más.  

 

 Bibliografía:

http://fotoves.espaciolatino.com/foto10.html

http://www.fotonostra.com/glosario/paralaje.htm

http://fotoves.espaciolatino.com/foto9.html

http://www.fotonostra.com/glosario/obturador.htm

 

Vida y obra de Cartier Bresson, Graciela Iturbide y Francisco Mata

HENRI CARTIER BRESSON (1908-2004)

   Es probablemente el más célebre fotógrafo del siglo XX. Desde los años veinte ha vagado por las calles en busca del momento decisivo, donde significado y composición se unen para formar una imagen fascinante.  

   Nace en Chanteloup, Francia, en 1908. Proviniente de una familia de clase media.  Desde niño se siente atraído por la fotografía, pero no es hasta 1933 que consigue su primer cámara Leica, con la que conseguiría fotografiar a un sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Para él, el mundo pasa rápidamente. Es conocido como el maestro de la detención del tiempo. 

   Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York; además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica, jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como” el momento decisivo”.

               

   En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial. Cartier documentó actos tan importantes como el funeral de Gandhi, la Guerra Civil en China, entre otros... Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la Sauvette. En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. 

   Para él "la fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho". Gracias a las exposiciones del Centro Internacional de Fotografía a partir del 1979 sus imágenes han recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson: The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987).

Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 Marsella .

 

  

 

 

  

 

 

GRACIELA ITURBIDE  (1962)

                                       

   Fotógrafa mexicana, de las más importantes e influyentes de América Latina en las últimas 4 décadas. 

   Nace en México en 1962, siendo la mayor de 13 hijos.  Comenzó sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, con lo que sus comienzos profesionales tuvieron lugar en el Séptimo Arte. Realiza una película sobre la vida y obra de José Luis Cuevas.

Manuel Álvarez Bravo

   Antes de dedicarse por completo a la fotografía (hacia 1974), fue alumna y asistente de Manuel Álvarez Bravo. El maestro oaxaqueño, de quien aprendió mucho durante sus salidas de campo a tomar fotos, constituyó una figura importante en la vida de Graciela. Verlo trabajar le abrió una nueva perspectiva del mundo y de cómo mirarlo

 

  

   Sus trabajos pronto se encaminaron a plasmar la realidad de los pueblos indígenas de México, especialmente en todo aquello que rodea a la mujer en sus costumbres cotidianas, dotando a sus fotografías de una atmósfera particular que le acerca al Realismo Mágico. Su obra se caracteriza por imágenes que muestran una gran sencillez, donde retratar significa participar de la vida de las personas, así como del ritmo y calidez de su gente y tradiciones. 

   Las exposiciones de su obra han cruzado el Atlántico, en salas como el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid o en festivales internacionales, como el celebrado en Arlés en 1979.

Graciela Iturbide, ha recibido varios reconocimientos entre los que destacan el premio Eugene Smith, que le fue otorgando en 1968, su reportaje Médicos sin fronteras, y en 1988 es galardonada con el gran premio del mes de la fotografía en París. De igual forma, fue miembro del Consejo Mexicano de Fotografía, gracias a su trabajo titulado Recuerdo de la infancia.

 

 

 

 

 

 

FRANCISCO MATA (1958)

   Nace en la Ciudad de México en 1958. Es Licenciado en Ciencias y Técnicas de la Comunicación por parte de la Universidad Autónoma Metropolitana campus Xochimilco. Trabajó como foto reportero para el periódico de Jornada durante seis años. Sus trabajos fotográficos se han publicado en algunos de los periódicos y revistas principales de los Estados Unidos, España, Canadá, Italia,Inglaterra, y México. Recientemente ha tenido exposiciones en México,Holanda, Alemania, Italia, España, Francia, Inglaterra, los Estados Unidos, Escocia, Japón, la Argentina, Brasil, Panamá, Uruguay, Ecuador, Perú, Honduras, Cuba, y Costa Rica.

   Ha  recibido los siguientes reconocimientos, entre otros:

 -Premio de adquisición de la Bienal de fotografía mexicana, 1988

 -Mención honorífica en el concurso del bicentenario de la revolución francesa 1989 ----Beca para jóvenes creadores del fondo nacional para la cultura y las artes (FONCA), 1989

 -Tecera Mother Jones Anual EE.UU. 1993

 -Beca de coinversión del FONCA , 1994

 -Primer premio internacional del Internet en Japón, 1997

 -Premio promocional del FONCA, 1999

 Ha sido miembro del sistema nacional de creadores desde 2000. En el campo editorial, sus fotos han sido publicadas en más de veinte libros y él es el autor de Sábado de Gloria, 1994, América Profunda, 1999, Litorales, 2000, México Tenochtitlan, 2005, Un Viaje 2006 y Tepito ¡bravo el barrio!, 2006

“ Con los años, a menudo he descubierto los paralelos existentes entre las fiestas y la vida cotidiana en la Ciudad de México, he notado la relación entre los actos políticos y las expresiones religiosas. He ligado paisajes urbanos con sentimientos, encontrado explicaciones para lo que es colectivo dentro de lo individual, traté de entender el mecanismo interno que permite la convivencia en esta ciudad, y reclamé algo que ya me pertenecía, un sentido del humor e ironía que son parte de nuestra realidad. En estos barrios, en estas fiestas, en estas calles, frecuentemente me topé con lo que ya había visto y reconocí en medio de este desorden y caos visual, al arte prehispánico, colonial y contemporáneo, solo hay que aislarlos. Casi todo el tiempo me sentía limitado por el medio que elegí- la fotografía- pero por otra parte, reconocí sus virtudes de síntesis, dramatización y sobre todo, metáfora. También comprendí que la ciudad es demasiado vasta para ser contenida o fotografiada en su totalidad. “

                                                                          

                                                                                                                                                                                                                                                                                                      -Franciso Mata

 

 

 

Bibliografía:

http://www.foto3.es/web/historia/biografias/cartier.htm

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/i/iturbide_graciela.htm

http://www.arte-mexico.com/lopezquiroga/GracielaIturbide/cv.htm

http://www.fundacionpedromeyer.com/china/fmata/indexsp.html